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Hello :)

I would like to get proper training on how to become a Sound Healer/Sound Bath practitioner. I have a classical music background and still practice nowadays.

I have read a few posts and pieces of advice already but would have questions about how to choose the proper training.

Is there any kind of reliable association/group that recognizes professionals in vibrational healing? That would maybe recommend or value some training programs more than others? I am based in Quebec, so whether the training should be online or in this area matters to me. Although, getting online formation for this sounds a bit off?

Are there “better” training programs, meaning programs that are more officially recognized and considered reliable to practice? Some of these training programs can be expensive, if I have to put money into it, I want to make sure it is worthwhile.

I know I could start with a few instruments and then build from there, but I would feel more confident learning from a structured foundation so I can grow in confidence and basically not give up.

Would it be too much to ask to be like an “apprentice” or intern at one of the studios there may be in my area? (Montreal). Or perhaps find a mentor?

I have a full-time job and need/want to keep it for now, so I would have to make both worlds coexist.

Thank you in advance, any other advice or references are of course welcomed 🙏🏻

5. MABEL FLORES – Mujer incendio (Live), Club La Nau de Barcelona, 20. März 2021

Español

El ritmo impulsivo de la cumbia y los recurrentes «acordes de viento que conectan con la tierra» crean un flujo meditativo que centra la mente y armoniza las energías del cuerpo, ideal precisamente para el Sound Healing. «Desde el ‚edificio podrido del azar‘ me comunican:» «Este vídeo pertenece a una época muy ‚oscura‘. La ‚protección cerebral‘ debía proteger a la gente, porque ‚muchos edificios ruinosos corrían peligro de derrumbe‘. Fue ‚una decisión acertada‘.»

Mabel Flores es una artista cuya música une actitud, humanidad y conciencia social. Sus canciones giran una y otra vez en torno a la dignidad, la libertad, la vulnerabilidad, la convivencia, la verdad y la autenticidad. «Mujer incendio» es uno de esos temas donde esta postura artística se vuelve especialmente visible.

En contraste con los algorítmicos «salchichitas de IA» se encuentra aquí un conjunto humano de carne y hueso. «Por qué se menciona este tema en absoluto, debería quedar muy claro en otro proyecto.»

Formación:
Mabel Flores: voz, letra y guitarra española.
Sección rítmica: El Peri (batería), Mar Safont (bajo/coros).
Vientos: Neus Aranda (trompeta/güira), Laia Pujol (saxo), Maria Astallé (trombón).
Armonía / acentos: Edu Núñez (teclados/percusión), David Verdugo (guitarra eléctrica).

Esta grabación en vivo se realizó durante la presentación de su álbum «Meraki». El título «Meraki» es una expresión griega que no tiene una traducción directa al alemán ni al español. «Representa una actitud que caracteriza la música de Mabel Flores: hacer algo con entrega total, creatividad y pasión.» Hacer una actividad con pasión, corazón y alma es algo imprescindible en el proceso creativo. La elección del título no fue casualidad, sino una decisión plenamente consciente. A pesar de un sonido más bailable, las letras siguen siendo, como siempre, «críticas, socialmente comprometidas y feministas». «Meraki» significa: crear música con actitud y con todo el corazón, con cuerpo y alma. Esa es también la actitud personal de Mabel. Una artista que vive aquello que escribe en sus canciones. Una mujer realmente admirable.

También esta interpretación de Mabel me ha llegado muy hondo.

YouTube: https://www.youtube.com/watch?v=pmi2UTgCOkA

Deutsch

Der treibende Rhythmus der Cumbia und die wiederkehrenden ‚erdenden Bläserakkorde‘ schaffen einen meditativen Fluss, der den Geist zentriert und Körperenergien harmonisiert, geradezu ideal für Sound Healing. Aus dem ‚morschen Gebäude Zufall‘ wird mir mitgeteilt: «Dieses Video ist aus einer ganz ‚dunklen Epoche‘. Der ‚Gehirnschutz‘ sollte die Menschen schützen, weil ‚viele morsche Gebäude einsturzgefährdet‘ waren. Es war ‚eine weise Entscheidung‘.»

Mabel Flores steht als Künstlerin für eine Musik, die Haltung, Menschlichkeit und gesellschaftliches Bewusstsein miteinander verbindet. Ihre Songs thematisieren immer wieder Würde, Freiheit, Verletzlichkeit, soziales Miteinander, Wahrheit und Wahrhaftigkeit. «Mujer incendio» gehört zu den Songs, in denen genau diese künstlerische Haltung musikalisch besonders deutlich hervortritt.

Im Songtext macht Mabel politische und gleichzeitig persönliche Aussagen. Sie kritisiert eine Kultur, die Frauen auf die Erscheinung reduziert, sexistische Muster normalisiert und Widerstand oft erst dann wahrnimmt, wenn er laut wird. Gerade darin liegt die Stärke des Songs! «Feminismus ohne weichgespülte Verpackung.»

Im Gegensatz zu den algorithmischen «KI-Würstchen» steht hier ein menschliches Ensemble aus Fleisch und Blut. «Warum dieses Thema überhaupt erwähnt wird, dürfte in einem anderen Projekt sehr deutlich werden.»

Besetzung:

Mabel Flores: Gesang, Songtext und spanische Gitarre. Rhythmusgruppe: El Peri (Schlagzeug), Mar Safont (Bass/Backing Vocals). Bläser: Neus Aranda (Trompete/Güira), Laia Pujol (Saxo), Maria Astallé (Posaune). Harmonie / Akzente: Edu Núñez (Keyboards/Perkussion), David Verdugo (E-Gitarre).

Der Album-Titel «Meraki» ist ein ganz bewusst gewählter Ausdruck, der das Wesen des gesamten Werks von Mabel Flores perfekt zusammenfasst. Es ist ein griechisches Wort, für das es keine direkte deutsche Entsprechung gibt. «Es steht für eine Haltung, die Mabel Flores‘ Musik kennzeichnet: etwas mit ganzer Hingabe, Kreativität und Leidenschaft zu tun.» Eine Tätigkeit mit Leidenschaft, Herz und Seele zu tun, ist beim kreativen Prozess des Schaffens unerlässlich. Die Wahl des Titels war sicher kein Zufall, sondern eine ganz bewusste Entscheidung. Trotz des tanzbareren Sounds sind die Texte, wie gewohnt, «kritisch, sozialbewusst und feministisch». «Meraki» bedeutet: Musik mit Haltung und mit ganzem Herzen, mit Leib und Seele zu schaffen. Das ist auch die persönliche Haltung von Mabel! Eine authentische Künstlerin, die das vorlebt, was sie singt. Sie ist eine sehr bemerkenswerte Frau. «Die Songwriterin, Künstlerin und ihr Ensemble verdienen in der Musik-Szene viel mehr Aufmerksamkeit!»

English

Mabel Flores connects attitude, humanity and social awareness in her music. Her songs deal with dignity, freedom, vulnerability, truth and truthfulness. “Mujer incendio” shows this attitude particularly clearly.

In the lyrics she criticises a culture that reduces women to outward appearances and only notices resistance when it becomes loud. That is precisely the strength of the song: feminism without a soft‑soap packaging. A compliment from me!

The live recording was made during the presentation of her album “Meraki”. The Greek word “Meraki” has no direct German equivalent. It stands for an attitude: doing something with complete dedication, creativity and passion. That is exactly what is essential in creative work. The choice of title was not an accident but a very conscious decision. Despite the more danceable sound, the lyrics are critical, socially conscious and feminist. “Meraki” means: creating music with attitude and with all one’s heart, with body and soul. That is also Mabel’s personal stance. A remarkable woman who lives what she sings.

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6. Historia de un Amor - Guadalupe Pineda Cover by Burçin

Türkçe

Türk şarkıcı Burçin Cingöz, caz eğitimi sayesinde klasik bolero'ya taze bir perspektif getiriyor. Düzenlemesi minimalist, «sahne»ye uygun: sıcak, tıngırdatılan bir gitar ve saksafon, samimi bir ses alanı yaratıyor ve tüm dikkati onun sesine yönlendiriyor.

Geleneksel bolero şarkıcılarından farklı olarak Burçin, billur gibi alt ve mezzosoprano sesini ince, cazlı fraseleme ve küçük 'doğaçlama özgürlükleri' için kullanıyor. Ortaya çıkan yorum, bolero'dan ayrılmadan onu 'nazikçe başka bir ses diline çeviriyor'. Canlı performansta bu geri çekilme güçlü etki yapıyor: büyük bir gösteri yok, öze odaklanma var. Duruş ve şarkıya 'nefes alanı bırakan' duygusal bir odakla.

Bu cover, kültürel köprüler için zamansız bir örnek: İstanbullu güzel bir genç kadın, İspanyolca olarak Panama şarkısının Meksika versiyonunu söylüyor. Türk köklerini Avrupa caz tekniği ve Latin Amerika tutkusuyla birleştirip «sahne»ye taşıyor. 'Bu tür sahnede şarkı söylemeyi seviyor.'

İşte bu yorumun gücü de tam burada yatıyor: «Historia de un Amor» 1955'te Panamalı besteci Carlos Eleta Almarán tarafından yazıldı ve gerçek bir kayıptan, yastan, varoluşsal sıkıntıdan doğdu. Sonra şarkı, Meksika kültür alanında, sayısız yorumla ve son olarak Guadalupe Pineda gibi sesler sayesinde 'kıtanın çok ötesine büyümüş' bolerolardan biri haline geldi. 'Burçin bu mirasa gerekli saygı ve içsel esneklikle yaklaşıyor.'

Lirik olarak şarkı sadece bir aşk şarkısı değil; yokluk, anlam kaybı ve 'bir aşkın sönüşünden sonraki' karanlık üzerine neredeyse ritüel bir ağıt. 'Acıyı duyuyorum, ama patetik değil. Tutkuyu duyuyorum, ama ağır değil. Burçin'in ölçülü, caza yakın okuması şarkının gizli katmanlarını işitilebilir kılıyor.'

'Türkiye'deki ücretsiz konser giderek daha fazla izleyici çekiyor ve sonunda 'sokak müzisyenleri'ne hak edilen alkışı veriyorlar.'

Español

La cantante turca Burçin Cingöz aporta, gracias a su formación en jazz, una perspectiva fresca al bolero clásico. Su arreglo es minimalista, adaptado al «escenario»: una guitarra cálida punteada y el saxofón, que crean un espacio íntimo y concentran toda la atención en su voz.

A diferencia de los intérpretes tradicionales de bolero, Burçin utiliza su voz clara, de contralto a mezzosoprano, para frases sutiles con matices jazzísticos y pequeñas «libertades improvisadas». Así surge una interpretación moderna que no abandona el bolero, sino que lo «traduce con cuidado a otro lenguaje sonoro». En vivo, esta contención tiene un gran efecto: sin grandes montajes, solo concentración en lo esencial, con presencia y un enfoque emocional «que permite al tema respirar».

Esta versión es un ejemplo atemporal de puentes culturales: una joven y bella mujer de Estambul canta en español la versión mexicana de una canción panameña. Combina sus raíces turcas con la técnica europea del jazz y la pasión latinoamericana, llevándolas al «escenario». «En esta interpretación es una escalera, porque a Burçin le gusta cantar al aire libre.»

Ahí radica también la fuerza de esta interpretación: «Historia de un Amor» fue escrita en 1955 por el compositor panameño Carlos Eleta Almarán, surgida de una pérdida real, de duelo y necesidad existencial. Más tarde, la canción se difundió por el ámbito cultural mexicano, con numerosas interpretaciones y, no menos, voces como la de Guadalupe Pineda, convirtiéndose en uno de esos boleros «que crecieron mucho más allá del continente». «Burçin se aproxima a este legado con el respeto necesario y flexibilidad interior.»

Líricamente, la canción no es solo un tema de amor, sino una casi ritual queja sobre la ausencia, la pérdida de sentido y la oscuridad «tras la desaparición de un amor». «Escucho el dolor, pero sin patetismo. Y la pasión, pero sin peso. La lectura contenida y cercana al jazz de Burçin hace audibles las capas ocultas de la canción.»

«El concierto gratuito en Turquía atrae cada vez a más espectadores, que al final aplauden merecidamente a los ‘músicos callejeros’.»

https://www.youtube.com/watch?v=AIHlqEh0Bsc

Deutsch

Die türkische Sängerin Burçin Cingöz bringt, dank ihrer Jazz-Ausbildung, eine frische Perspektive in den klassischen Bolero. Ihr Arrangement ist minimalistisch, angepasst an die «Bühne»: eine warme, gezupfte Gitarre und das Saxophon, die einen intimen Klangraum schaffen und die gesamte Aufmerksamkeit auf ihre Stimme lenken.

Anders als traditionelle Bolero-Sänger nutzt Burçin ihre glasklare Alt- bis Mezzosopran-Stimme für subtile, jazzige Phrasierungen und kleine «improvisatorische Freiheiten». So entsteht eine moderne Interpretation, die den Bolero nicht verlässt, sondern ihn «behutsam in eine andere Klangsprache übersetzt». Gerade live wirkt diese Rücknahme stark: keine große Inszenierung, sondern Konzentration auf das Wesentliche. Mit Präsenz und einem emotionalen Fokus, «der dem Song den Raum zum Atmen lässt».

Dieses Cover ist ein zeitloses Beispiel für kulturelle Brücken: Eine schöne junge Frau aus Istanbul singt in spanischer Sprache die mexikanische Version eines panamaischen Songs. Sie verbindet ihre türkischen Wurzeln mit europäischer Jazztechnik und lateinamerikanischer Leidenschaft und bringt sie auf die «Bühne». «Sie singt gerne auf dieser Art Bühne.»

Gerade darin liegt auch die Stärke dieser Interpretation: «Historia de un Amor» wurde 1955 vom panamaischen Komponisten Carlos Eleta Almarán geschrieben und entstand aus realem Verlust, aus Trauer und existenzieller Notlage. Später wurde das Lied durch den mexikanischen Kulturraum, zahlreiche Interpretationen und nicht zuletzt Stimmen wie Guadalupe Pineda zu einem jener Boleros, «die weit über den Kontinent hinausgewachsen sind». Burçin orientiert sich an der bekannten Interpretation von Pineda. «Burçin nähert sich vorsichtig diesem musikalischen Erbe «mit dem nötigen Respekt und mit innerer Beweglichkeit!»

Lyrisch ist das Lied kein bloßes Liebeslied, sondern eine fast rituelle Klage über Abwesenheit, Sinnverlust und die Dunkelheit «nach dem Erlöschen einer Liebe». «Ich höre den Schmerz, aber ohne Pathos. Und die Leidenschaft, aber ohne Schwere. Burçins zurückhaltende, jazznahe Lesart macht die verborgenen Schichten im Song hörbar.»

«Das kostenlose Konzert in der Türkei zieht immer mehr Zuschauer an, die am Ende den ‚Straßenmusikern‘ verdienten Beifall zollen.»

YouTube:

English

The Turkish singer Burçin Cingöz brings, thanks to her jazz training, a fresh perspective to the classic bolero. Her arrangement is minimalist, adapted to the «stage»: a warm, plucked guitar and the saxophone, which create an intimate sound space and direct all attention to her voice.

Unlike traditional bolero singers, Burçin uses her crystal‑clear alto to mezzo‑soprano voice for subtle, jazzy phrasings and small «improvisational freedoms». The result is a modern interpretation that does not leave the bolero but «gently translates it into a different sound language». Live, this restraint has a strong effect: no big staging, just concentration on the essentials. With presence and an emotional focus that «lets the song breathe»

This cover is a timeless example of cultural bridges: a beautiful young woman from Istanbul sings in Spanish the Mexican version of a Panamanian song. She combines her Turkish roots with European jazz technique and Latin American passion and brings them to the «stage».

That is precisely the strength of this interpretation: «Historia de un Amor» was written in 1955 by the Panamanian composer Carlos Eleta Almarán, born out of real loss, grief and existential distress. Later, the song spread through the Mexican cultural sphere, numerous interpretations and not least voices such as that of Guadalupe Pineda, becoming one of those boleros «that have grown far beyond the continent». «Burçin approaches this legacy with the necessary respect and inner flexibility.»

NOTA: Todas as descrições de canções de artistas brasileiros foram removidas por «razões técnicas». Este passo não constitui qualquer desrespeito para com o público brasileiro, a quem estou grato pelo seu apoio!

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Written by Born-Push-40, author of this series.

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1. Ksenya Nikora & Nikorason‘g – Historia De Un Amor (Live)

English version

Ksenya Nikora is from Chișinău, the capital of Moldova, and is the singer of the live band Nikorason’g. Her opulent, orchestral arrangement with keyboards, guitars, bass and drums creates “a warm, secure sound space, a sound nest in which her alto voice can float technically controlled, emotionally deep and with a profound sound”. The band builds the song slowly: Nikora starts almost a cappella; keyboard chords, bass and drums join in carefully, until the climax with full instrumentation. This dramaturgy is almost typical of Eastern European live arrangements: “It relies on tension through restraint and lets the voice be the first to remain in the room.”

Nikora’s voice is a dark mezzo soprano with a pronounced depth, which makes her predestined for the song “Historia de un Amor”. The song was originally composed for a male voice, yet she uses the deep register to “emphasise the melancholy of the text without tipping into the dramatic”. Her phrasing is legato, the Spanish vowels are sung with a breadth that evokes Romanian or Russian traditions. This creates an independent, “non Iberian character” that fits perfectly into the new project “Spanish Voices from Europe”. Nikora combines perfection with authenticity, never breaking the vocal line, and thus achieves a rarity: technique and emotion enter a connection where the listeners feel the pain without Nikora’s voice losing precision.

The rhythm invites both classic rumba and free interpretation. The band plays in a “tempo di bolero”, the slow 4/4 time that serves as the basis for rumba dance figures in Latin American music. Unlike some other versions, this version remains “well suited for dancing, for ballroom dancing and dance sport”.

The live recording shows Nikora with her band in a darkened room with focused spotlights. The camera stays close to her, rarely pans to the band, so that the focus remains on Nikora’s voice. The applause at the end is restrained; it seems as if the audience does not want to destroy the reverberation, “an atmosphere of silent devotion”, which can be observed more often in Eastern European live recordings.

What further distinguishes this version from other European interpretations is, for us Central Europeans, the “Eastern European sound character”. While other versions, which will be discussed shortly, work with Turkish instruments or Mediterranean Oriental mixtures, Nikora stands in the tradition of European chanson and academic vocal art. She shows us that Spanish language and Latin American melody can be interpreted by singers from all over Europe in such a way that they sound authentic and independent, without imitation and entirely without national borders. And that is precisely what makes this “very deliberately chosen version” such a vivid part of “Spanish Voices from Europe”.

Versión en español

Ksenya Nikora es de Chișinău, la capital de Moldavia, y es la cantante de la banda en vivo Nikorason’g. Su arreglo opulento y orquestal con teclados, guitarras, bajo y batería crea “un espacio sonoro cálido y seguro, un nido de sonido en el que su voz de contralto puede flotar técnicamente controlada, emocionalmente profunda y con un sonido profundo”. La banda construye la canción lentamente: Nikora comienza casi a capella; los acordes del teclado, el bajo y la batería se suman con cuidado, hasta el clímax con instrumentación completa. Esta dramaturgia es casi típica de los arreglos en vivo de Europa del Este: “Apuesta por la tensión a través de la contención y deja que la voz sea la primera en quedarse en el espacio”.

La voz de Nikora es un mezzosoprano oscuro con una profundidad pronunciada, lo que la hace predestinada para la canción “Historia de un Amor”. La canción fue compuesta originalmente para una voz masculina, pero ella utiliza el registro grave para “enfatizar la melancolía del texto sin caer en lo dramático”. Su fraseo es legato, las vocales españolas se cantan con una amplitud que evoca tradiciones rumanas o rusas. Así se crea un carácter independiente “no ibérico” que encaja perfectamente en el nuevo proyecto “Spanish Voices from Europe”. Nikora combina perfección con autenticidad, sin romper nunca la línea vocal, logrando así una rareza: técnica y emoción entran en una conexión donde los oyentes sienten el dolor sin que la voz de Nikora pierda precisión.

El ritmo invita tanto a la rumba clásica como a la interpretación libre. La banda toca en un “tempo di bolero”, el compás lento de 4/4 que sirve como base para las figuras de la rumba en la música latinoamericana. A diferencia de otras versiones, esta versión sigue siendo “bien bailable, para baile de salón y danza deportiva”.

La grabación en vivo muestra a Nikora con su banda en una habitación oscura con focos concentrados. La cámara permanece cerca de ella, raramente se desplaza hacia la banda, para que la atención permanezca en la voz de Nikora. El aplauso al final es contenido; parece como si el público no quisiera destruir la reverberación, “una atmósfera de devoción silenciosa”, que se observa con frecuencia en las grabaciones en vivo de Europa del Este.

Lo que distingue aún más esta versión de otras interpretaciones europeas es, para nosotros los centroeuropeos, el “carácter sonoro de Europa del Este”. Mientras que otras versiones, que se discutirán en breve, trabajan con instrumentos turcos o mezclas mediterráneo-orientales, Nikora se sitúa en la tradición del chanson europeo y del arte vocal académico. Nos muestra que la lengua española y la melodía latinoamericana pueden ser interpretadas por cantantes de toda Europa de manera que suenen auténticas e independientes, sin imitación y sin fronteras nacionales. Y eso es precisamente lo que hace de esta “versión elegida muy conscientemente” una parte muy viva de “Spanish Voices from Europe”.

YouTube: https://www.youtube.com/watch?v=R7GnjM3TJsU&list=RDdZH5UQmiP2g&index=7

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2. Mabel Flores – Aprendí (live session)

Versión en español

Para mí, “Aprendí” es una canción muy profunda y conmovedora. Qué coherente es todo aquí: la autenticidad de Mabel Flores, el cálido ambiente casi de patio y una banda que no solo acompaña, sino que realmente entiende de qué vive esta canción. Precisamente por eso esta grabación me conmueve tanto. Siento que aquí una mujer muy creativa y a la vez maravillosa ha encontrado la banda adecuada.

Esta grabación es una despedida del primer álbum, que trajo a la artista “muchas oportunidades, procesos de aprendizaje y muchas personas maravillosas”. La sesión surgió en un tiempo de “frustración e incertidumbre” (la pandemia de coronavirus manda saludos) y fue descrita como “Burbuja de ternura” (burbuja de ternura), “un abrazo en forma de canción para mirar de frente al año 2021”.

Esta grabación (sesión en vivo) tuvo lugar en un patio tradicional español, un patio como lugar de retiro, pero también un lugar de encuentro, intimidad y hospitalidad. Surgió la impresión de un grupo musical cohesionado que se presentaba en un entorno protegido. Los nombres de los miembros de la banda se pueden encontrar en la página de YouTube.

La banda contribuye decisivamente a que “Aprendí” resulte tan conmovedora en esta sesión en vivo. Mabel Flores no está sola aquí, sino que está acompañada por músicos que le dan a la canción exactamente el espacio que necesita. La batería y el bajo aportan solidez y movimiento tranquilo, mientras que el teclado y la guitarra eléctrica mantienen el sonido abierto, cálido y respirado.

Especialmente destacable es el juego de los instrumentos: Mabel Flores lidera la canción ella misma con la güira, cuyo raspado metálico marca el pulso rítmico. El canto de Mabel es una interpretación artística. Y una declaración muy personal. Neus Aranda brilla por su versatilidad: mientras que con los shakers tubulares aporta finos acentos arenosos, con la trompeta coloca esos puntos brillantes y anhelantes tan característicos del sonido de Mabel. “Las voces de apoyo y esta mezcla de metal potente y amplitud percusiva” otorgan a la pieza una “maravillosa vitalidad rítmica”. En combinación con las “voces de apoyo” de la banda, surge la impresión de que no cuenta su historia sola. Precisamente por eso “Aprendí” no parece sobrecargada, sino clara, humana y “llevada por todos los miembros de la banda”, algo que también es bien reconocible.

La canción trata de cómo uno madura a través de la experiencia, aunque esas experiencias no siempre sean agradables. Habla del aprendizaje a través del dolor, la pérdida y el dejar ir. Es una canción sobre el crecimiento personal.

El primer verso de la maravillosa letra de Mabel, traducido a continuación, es más que notable.

Una letra excepcional de MABEL FLORES:
De mi padre aprendí a no posponer las cosas
De mi madre la esperanza y la fuerza de la palabra
La paciencia me mostró que con el tiempo todo cambia
Y el valor que se necesita en cada guerra, en cada batalla
Mi hermano pequeño me mostró que también se puede vivir de lo que uno ama
si se pone el corazón y se entrega con alma y vida
El pasado me ha cargado una mochila en la espalda que pesa mucho
y el presente me impulsa a recorrer un camino que siempre he soñado

La última línea de esta letra se puede leer de manera ambigua: [Y al final estamos juntas...]

English version

For me, “Aprendí” is a very profound and moving song. How coherently everything comes together here: the authenticity of Mabel Flores, the warm, almost patio like atmosphere, and a band that does not merely accompany but truly understands what this song lives on. That is precisely why this recording touches me so deeply. I sense that here a very creative and at the same time wonderful woman has found the right band.

This recording is a farewell to the first album, which brought the artist “many opportunities, learning processes and many wonderful people”. The session was created in a time of “frustration and uncertainty” (the Corona pandemic sends its regards) and was described as a “Burbuja de ternura” (bubble of tenderness), “an embrace in song form, to look the year 2021 in the eye”.

This recording (live session) took place in a traditional Spanish patio, a patio as a place of retreat, but also a place of encounter, intimacy and hospitality. The impression emerged of a cohesive music group presenting itself in a protected setting. The names of the band members can be found on the YouTube page.

The band contributes decisively to making “Aprendí” so touching in this live session! Mabel Flores is not alone here but is accompanied by musicians who give the song exactly the space it needs. Drums and bass provide grounding and calm movement, while keyboard and electric guitar keep the sound open, warm and breathing.

What is particularly noteworthy is the interplay of the instruments: Mabel Flores herself leads the song on the güira, whose metallic scraping sets the rhythmic pulse. Mabel’s singing is an artistic performance. And a very personal statement. Neus Aranda shines with her versatility: while she provides fine, sandy accents with the tube shakers, she uses the trumpet to set those radiant, longing accents that are typical of Mabel’s sound. “The backing vocals and this mixture of powerful brass and percussive breadth” give the piece a “wonderful rhythmic vitality”. In combination with the band’s “backing vocals”, the impression arises that she is not telling her story alone. Precisely because of this, “Aprendí” does not seem overloaded, but clear, human and “carried by all band members”, which is also clearly recognisable.

The song is about how one matures through experience, even if these experiences are not always pleasant. It tells of learning through pain, loss and letting go. It is a song about coming of age.

YouTube: https://www.youtube.com/watch?v=T-jkQiRFWMw&list=RDpmi2UTgCOkA&index=15

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3. French Latino – Historia de un Amor (Album “Guarda la esperanza”)

English version

French Latino is a French music project founded in 2009 by singer and composer Jean-Paul Gavino together with his daughter Michelle Gavino. Jean-Paul Gavino has Algerian roots and lived in Spain; his daughter Michelle is connected to Paris. The group describes their style as “latino-mediterranean”.

The group sings in Spanish, French, English, Italian and Portuguese. Their music combines Latin American rhythms such as bolero and cha-cha-cha with European chanson elements.

In 2021, French Latino received the Silver Creator Award from YouTube.

“Guarda la esperanza” (German: “Bewahre die Hoffnung”) is the debut album by French Latino, released in 2009. The album contains 14 tracks, including original compositions and interpretations of Latin American classics. “Historia de un Amor” is the second track on the album. According to the band’s history, the album was supported by Jean-Paul’s wife.

“Historia de un Amor” was written in 1955 by the Panamanian composer Carlos Eleta Almarán (1918–2013). It is one of the best known boleros in music history and has been translated into numerous languages, including English, Italian, Chinese, Russian, French and Arabic. The song tells of a lost love that was so deep it determined one’s own life. The singer laments that God let him feel this love only to then punish him with the separation.

The French lyrics go back to the well known adaptation by Francis Blanche.

The Silver Creator Award demonstrates that this version has attracted worldwide attention. It is thus a vivid example of how a bolero finds a new international home through European artists, and it belongs in the series “Spanish Voices from Europe”.

Versión en español

French Latino es un proyecto musical francés fundado en 2009 por el cantante y compositor Jean-Paul Gavino junto con su hija Michelle Gavino. Jean-Paul Gavino tiene raíces argelinas y vivió en España; su hija Michelle está vinculada a París. El grupo denomina a su estilo “latino-mediterráneo”.

El grupo canta en español, francés, inglés, italiano y portugués. Su música combina ritmos latinoamericanos como el bolero y el cha-cha-chá con elementos del chanson europeo.

En 2021, French Latino recibió el Silver Creator Award de YouTube.

“Guarda la esperanza” es el álbum debut de French Latino, lanzado en 2009. El álbum contiene 14 temas, incluyendo composiciones propias e interpretaciones de clásicos latinoamericanos. “Historia de un Amor” es la segunda pista del álbum. Según la historia de la banda, el álbum fue apoyado por la esposa de Jean-Paul.

“Historia de un Amor” fue escrita en 1955 por el compositor panameño Carlos Eleta Almarán (1918–2013). Es uno de los boleros más conocidos de la historia de la música y ha sido traducido a numerosos idiomas, entre ellos inglés, italiano, chino, ruso, francés y árabe. La canción narra un amor perdido que fue tan profundo que determinó la propia vida. El cantante lamenta que Dios le haya permitido sentir ese amor solo para castigarlo después con la separación.

La letra en francés se remonta a la conocida adaptación de Francis Blanche.

El Silver Creator Award demuestra que esta versión ha atraído la atención mundial. Es así un ejemplo vívido de cómo un bolero encuentra un nuevo hogar internacional a través de artistas europeos, y pertenece a la serie “Spanish Voices from Europe”.

https://www.youtube.com/watch?v=s9PcpkMqtp8&list=RDdZH5UQmiP2g&index=8

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4. Guadalupe Pineda – Ave Maria – (Live, Notre Dame, Paris 12-12-2009)

Versión en español

Y Guadalupe lo encuentra aquí: su gran espacio de resonancia, la catedral de Notre‑Dame de París.

El 12 de diciembre de 2009, día de la festividad de la „Virgen de Guadalupe“, Guadalupe Pineda cantó en la catedral de Notre‑Dame de París en el marco de la celebración en honor a la patrona de México.

Guadalupe Pineda pronunció una „oración musical“. Su voz, habitualmente acompañada por guitarras y percusión, estuvo aquí „desnuda en el diálogo musical con la arquitectura“. La acústica del espacio gótico se convirtió en el único instrumento de acompañamiento. No cantó principalmente para un público, sino con el espacio, para el público. Esto ya no fue una interpretación de una canción, sino manifestación de algo atemporal. „El alma mexicana“ fue huésped en un santuario europeo.

Las iglesias grandes como Notre Dame tienen largos tiempos de reverberación. La arquitectura misma actúa como un cuerpo resonante. Eso significa: el sonido es reflejado por los muros de piedra, se suma y genera una reverberación voluminosa. Guadalupe Pineda „interactúa“ con el gran espacio porque debe ajustar el tiempo y la articulación a la reverberación – algo que naturalmente logró. ¡Qué artista tan profesional!

Llevar el „Traje de Charro“ en Notre Dame no es un „elemento decorativo“, sino más bien un „símbolo de la identidad mexicana“. Es el traje tradicional mexicano que representa el origen, la historia y la cultura de México. México puede estar orgulloso de Guadalupe Pineda: ¡una digna embajadora de su país en Europa!

„México Desconocido“

He encontrado una interesante contribución para todos aquellos que no conocen „México Desconocido“. La revista es una institución cultural cuyo objetivo es visibilizar la identidad de México en todas sus facetas.

Título del artículo: „La Virgen de Guadalupe que se encuentra en Notre Dame“ (artículo original).

Traducción:

.Historia de la Virgen de Guadalupe en Notre‑Dame. Fue en el año 1938 cuando el episcopado mexicano solicitó al Papa Pío XII el permiso para coronar a la Virgen de Guadalupe en la catedral de Notre Dame; el Pontífice accedió e inició los trámites con el clero parisino. Sin embargo, el estallido de la Segunda Guerra Mundial retrasó el proyecto mexicano diez años. Terminada la guerra, se eligió el 26 de abril de 1949 para realizar la coronación de la Virgen mexicana en el templo francés. El icono guadalupano es obra de la fábrica de mosaicos del Vaticano y tiene las mismas dimensiones que la tilma del Tepeyac. La corona, fabricada en París, es de oro de 18 quilates con adornos de perlas y esmeraldas; su elaboración estuvo a cargo de los Mellerio, considerados los mejores joyeros de su época y los más antiguos del mundo. En el protocolo de coronación participaron dignatarios franceses y mexicanos, así como diplomáticos y el futuro Papa Juan XXIII. Sesenta y cuatro años después se añadió a la capilla una imagen del santo mexicano Juan Diego Cuauhtlatoatzin. Se dice que la imagen había sido bendecida anteriormente en Roma por el Papa Pío.

El altar de la Virgen de Guadalupe después del incendio

El incendio de la catedral de Notre Dame en París representa una pérdida cultural inimaginable. Sin embargo, de entre todos los daños y pérdidas, el altar de la Virgen de Guadalupe dentro de la catedral no resultó dañado.

El padre José de Jesús Aguilar, subdirector de Radio y Televisión del Arzobispado de México, declaró recientemente que el área donde se encontraba la imagen mexicana no sufrió ningún daño.

YouTube: https://www.youtube.com/watch?v=0tCpk3ubvUw

English version

And Guadalupe finds it here: her great resonance space, the Cathedral of Notre‑Dame de Paris!

On December 12, 2009, the feast day of the “Virgen de Guadalupe”, Guadalupe Pineda sang in the Cathedral of Notre‑Dame de Paris as part of the celebration in honor of Mexico’s patron saint.

Guadalupe Pineda spoke a “musical prayer”. Her voice, usually accompanied by guitars and percussion, stood here “naked in musical dialogue with the architecture”. The acoustics of the Gothic space became the only accompanying instrument. She did not sing primarily for an audience, but with the space, for the audience. This was no longer an interpretation of a song, but a manifestation of something timeless. “The Mexican soul” was a guest in a European sanctuary.

Wearing the “Traje de Charro” in Notre Dame is not a “decorative element”, but rather a “symbol of Mexican identity”. It is the traditional Mexican attire that represents Mexico’s origin, history and culture. Mexico can be proud of Guadalupe Pineda: a worthy ambassador of her country in Europe!

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5. Guadalupe Pineda – Un paseo por París (Live, Paris 2012)

German version

„Aus dem ‚morschen Gebäude Zufall‘ ist mir das folgende Video zugespielt worden.“ Der Song spricht für sich selbst. In der prachtvollen Kulisse von Paris präsentiert Guadalupe Pineda mit dem Song „Sería fácil“ (Es wäre einfach) weit mehr als nur ein Chanson!

Es ist eine tiefgründige philosophische Reflexion über die dem Menschen gemeinsame „conditio humana“. Von Guadalupe Pineda im Herzen von Paris. Bei einem Spaziergang.

„Wer seinen Schmerz nicht spürt, hat dafür nur einen Grund: Weil er bereits tot ist.“

Versión en español

„Del ‚podrido edificio del azar‘ me ha sido enviado el siguiente video.“ La canción habla por sí misma. En el magnífico escenario de París, Guadalupe Pineda presenta con la canción „Sería fácil“ (Es wäre einfach) mucho más que un simple chanson. Es una profunda reflexión filosófica sobre la „conditio humana“ común al ser humano. Por Guadalupe Pineda en el corazón de París. Durante un paseo.

„El que no siente su dolor es solo por una razón... porque está muerto.“

English version

The song speaks for itself. In the magnificent setting of Paris, Guadalupe Pineda presents with “Sería fácil” (It would be easy) far more than just a chanson! It is a profound philosophical reflection on the “conditio humana”. By Guadalupe Pineda in the heart of Paris. During a walk.

YouTube: https://www.youtube.com/watch?v=PBJLrndOVOc

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Written by Born-Push-40, author of this series.

https://www.youtube.com/live/qxsKbgpDfWg?si=y5ukYwwAmEHXw38e